the perspective

こんにちは。

今日はベルリン-11℃。寒すぎて外に出る気も失せたのですが、せっかくなので学校終了後、

美術館に行ってきました。

ベルリンには世界遺産でもある「博物館島」という地域があって、そこに美術・博物館、教会が密集しています。

私はゴシック建築が好きなので、この辺りの一番のお気に入りはベルリン大聖堂なのですが、今日は博物館島の中にある「 Neues Museum」(新美術館)に行ってきました。

新美術館には主に古代エジプトの品々が多く収蔵されています。特筆すべきはその建築で、第二次世界大戦で廃墟となった建物をイギリス人の建築家、フリードリッヒ・アウグスト・シュテューラーが300億円ほどかけて修復したそうです。しかもその修復方法は、「元あった場所は生かしつつ欠けたところは近代のデザインによって埋める」という方式。だから室内は古く赴きのある空間とモダンなデザインが組み合わされた不思議な空間に仕上がっていました。(写真は玄関。床、天井はモダン、壁はアンティーク)　たしかにお金や組み合わせの能力はかかる方法ですが、建物の保存には最適な方法。早稲田の歴史の深い文学部キャンパスが壊され、改築されるとのことで最近建物の保管について少しアンテナを張っていたのですが、こんな形で出会えるとは思いませんでした。それにしても、すごい大胆かつ斬新な方法ですね。過去と未来が共存するベルリンならではで、とてもこの建物を気に入りました。

けれど、建物のこと以上に考えさせられたのは、その展示方法です。

一言で言うと、とても「上手い」。

今まで展示が上手いと思ったのは韓国リウム美術館の陶磁器のコーナーとゲント現代美術館(pl:ﾌﾞﾛｸﾞ記事『忘却に対する抵抗』)だったのですが、今回は規模が違います。何でもそうなのですが、小さければ小さいスペース程展示がしやすい。だから大きな場所で展示しようとすると、どこかしら「微妙」なところが発生しますが、ここは隅々まで気を抜いていなかった。

10€の入場料は決して安くないですが、その10€分の気合いは十二分に見ることができました。

そもそも博物館というものはイギリスやドイツの「驚異の部屋(Kunstkammer)」と呼ばれるものからその歴史は始まります。

大航海時代に得てきた珍しいものたちを貴族が買い取り、展示した。

そんな部屋がありました。

参考図書:ミュゼオロジー入門

(これが一番分かりやすかったです)

ちなみに冒頭にある、

ミュゼオロジーとは世界編集のシステムだ。だから無謀な世界理解の闘いとして始まる。まず，世界に共感すること，そしてそれを再編成する。根底にはアートとは何か？　という自問をつねに残しながら。

という文章にとても心惹かれたと共に、これを読んでから少し真剣に美術・博物館の勉強をしていました。

(今はもうやめましたｗ)

けれど、美術館の歴史、美術館の公共性。

その影に隠れてしまって博物館というものに注目が集まりにくいのが現状です。

なぜなら、人を呼べる美術館＝企画名品展ですが、博物館は常設展勝負。

しかも展示品も古いものばかりで面白みに欠けるものが多い。

だからどうやって工夫していいかも分からない。

そんな認識を覆してくれたのがこの博物館でした。まず、物を陳列するのではなく、こうして3次元的空間にて展示する。また、元あったものは元あったもののように展示する。だから建物から取ってきた壁などはこうして再現して展示。私たちは建物の中にいるかのような体験ができます。外から見ると何が何だかよく分かりませんが。

昨日は旧ナショナルギャラリーというところに行きました。そこはフリードリヒ3世が「コレクションを市民が誰でも見れるように」設立された博物館です。今で言う個人美術館が公共化したもの、というようなところでしょうか。大部分の伝統あるヨーロッパの博物館、美術館はそういった主旨で設立されたものが多いと思います。

日本でも「市民が美術や芸術に親しみを持てるように」設立されたものが多いのではいでしょうか。

けれど、この新博物館に私が感動した理由は、その時代は「終わった」ということを強く自覚していたことでした。

世代別に分けて、陳列する。

権力の誇示、市民に向かって「見せてあげてる」、古いものはすごいという意識を持たすだけならそれで十分です。

また、高いとろろに展示してあったものを博物館の中で低い場所に展示することによってコードを変える、

そんな意義もあったかもしれません。

でも今はインターネットで調べればそのイメージも簡単に出てくるし、実際に目で見るよりも

正確な情報(何でできていて、誰が何の為に作ったか)も無料で手に入れることができる。

だからこそ、今博物館にできることは体験的再現的展示だということであり、コードの書き換えはあまり意味を持たない。

これは地球の環境保全にも似たような考え方だなあ、とも思いましたが。

とにかく、空間的なものは来てみないと分からない(これは展示会にも言えることですが)。そして空間を使うことによってより、その物のパワーや昔の人がそれをどう見ていたかを伝えることが可能になる。また、面白かったのは「出土状況の再現」的展示があったことです。昔のものを昔のままではなく、「今から見つめた昔」の視点も積極的に取り入れていた。

二次元的空間から三次元的空間へ。過去を保存するのではなく、現在から過去へ繋がるパースペクティブを。

それが本当に見事でした。

様々な諸事情が考えられますが、大英博物館は物はいいけど、展示は至って普通です。

この博物館を訪れてからは、それが勿体ないなあととても感じます。

余談ですが、ﾖｰﾛｯﾊﾟの博物館は「人類の叡智」っていうすごい大義名目があって充実もしてるし、教育的な面でもとても上質だけど、同時にその物にはアウラ云々よりも「略奪と権力誇示の歴史」が宿って、そのいわゆる裏と表の歴史を包括してるから面白いですね。
でも、この博物館程頑張って展示していたら、そんなことも忘れそうですｗ

今日から２泊３日でアムステルダムへ。

またベルリンに戻ってくるのですが、アムステルダムでどんなものに出会えて、どんな経験ができるのか。

とても楽しみです。

(しかもアムスは暖かいらしい…　ベルリンの-11℃から逃れられるだけで幸せ…)

それでは、また。

最後に写真を載せておきます

ものを見る目について

前の記事が嫌すぎるが故に、新しい記事を書こうと思いますｗ

そういえば2/18から一人で留学を始め、今日はミュンヘンなうです

今からベルリンに移動します。

そんな今回はこの1年の総復習として、こんな本を読んでいます。
結構現代ｱｰﾄを学び始める地点で必須な本だとは思うのですが、自分の知識の定着を測ろうと思って
あえて今まで読まずにいました。(ﾂｲｯﾀｰにて村上隆さんもおすすめされていました)
でも印象として、カテゴライズにしくいものが増えたからか、
カテゴライズ自体にも疑問に思うものが多く、日本の小さな動向を海外と同列に並べるから、
不自然な印象を受けがちでしたが、総まとめとしては最適な本でした。


そして再度思ったのはデュシャンの泉でもそうですが、革命的にいきなり何かがポッと出てくる訳でなく、
歴史があって、それをちゃんと踏まえることでイノベーションが生まれるということです。


例えば、ルネサンスもポッと出たわけでなく、「13世紀ルネサンス」という中東諸国で読まれていた
古代ギリシアローマの文献の翻訳本が逆輸入され、広まるというきっかけが事前にあって、
ヨーロッパの人々が古代の思想や様式の偉大さに気づき始め、それが活発となって、ルネサンスが花咲く。
仏教でも鎌倉仏教(親鸞とか有名な人たち)がいきなり覚醒して悟りを開いたのではなく、
平安時代から徐々にそういう傾向が現れ始め、鎌倉で大成される、という歴史がちゃんとあります。


昨日はミュンヘンのピナコテークというところに行きました。
アルテピナコテーク(ルネサンスあたりを扱う)ノイエピナコテーク(近代を扱う)モダンピナコテーク(現代美術)、それとｺﾝﾃﾝﾎﾟﾗﾘｰｱｰﾄﾑｼﾞｳﾑ(正式名称忘れましたｗ)。
ルネサンス以降現代までをざっと流れを追った感じですが、やはり何か歴史の繋がりのようなものを感じました。
(今回掲載する写真のほとんどはここで撮影したものです)


その「繋がり」に関連付けて、「想起力」について今日は書こうと思います
想起力はアートにとっては重要な力だと思います。


代表的な「想起」の美学は「石」。
（これは日本の須弥山石）
ヨーロッパでは中世に「絵のある石」に代表される石の模様が独自の「造形的均衡」を持つものを風景に見立て絵画的に楽しむという流行がありました。
当時芸術に大きな影響を与えたダンテの『神曲』などを石に人物などを加筆し、一つの作品として仕上がっています。
「絵のある石の系譜学」というものも密かに存在するのですが、言わずもがなこれがあのキュビズムにも繋がる無名ながらも重要な要素となるものなのです。
日本でも江戸時代の天明期あたりに１つの形から何かの姿を読みとる「見立て」というものも流行っています。

文献などはまだ読んでいませんが、私から見て、一番この「想起力、『何かが何かに見える力』」が働いているのはシュルレアリスムとコンセプチュアルかなあ、とも思うのですが。(マグリットのこれとか特に)

けれど、この「想起力」は作る側だけでなく、鑑賞者の側から見ても重要な視点だと思います。
なぜならこの「想起力」はものを見れば見る程養われるもの、すなわち自分がどれだけアートにコミットできているか、
「見る目」がついているのかついていないのか、を測る重要な指針の一つになり得るからです。

分かりやすく超飛躍した例を挙げると、随分前にクリムト(1862-1918)の「接吻」を初めてみた時、「いい！」と思いました(愚直すぎますがｗｗ)


それで「これはアールヌーボーだよ」とか言われても分からないので、「ふーん」としか言えませんでした。
けれど、彼の装飾性(単純にきらびやかだな、とかカラフルだな)とかを他の絵画と比較することで感じれるようになりました。
そしてその次に今度はシーレと似てるな、とか同時代の作家と自然に結び付けられるようになりました。
(後々、クリムトとシーレにそこまで類似点を感じなくなりましたが)
今度はキリスト教の宗教美術を見た時、そのきらびやかさがクリムトと重なるようになってきたりしました。

最後にダミアンの蝶の作品、「爆裂」にもイメージが繋がったのです。

これは、本当に私の感性であり何の論理性もありませんｗ
でもこうやって繋いでいくうちに、もしかしてクリムトもダミアンも宗教美術を多く見てインスピレーションを受けたのかな、とか考えるようになるのです。
これは表層的なイメージの想起ですが、今度はコンセプトなど理論的想起も自然とわきあがってくるようになります。


もちろん、先にも述べましたが私はまだまだ、見る目も想起力も素人ですが、
見れば見る程そのストックは増えるので、作品を見ることが楽しくなりました。
また、ｸﾘﾑﾄとｼｰﾚでもそうですが、始めは同時代とか色とか安直なものでしか繋がらなかったことが、どんどん世代を越えて、
その作家が影響を受けた歴史的な繋がりに目を向けれるようになります。


ここまできたら、作品鑑賞が楽しみだけでなく、「驚き」でいっぱいになるんです。


これは持論の域を越えませんが、「いいもの」を見つけたいのなら比較対象というものは必ず必要になります。
だから、美術館だけでなくレベルの高くないものを見ることは重要となります。
それでこそ、そのストックを踏みつぶすようなきらめき、すなわち「いいもの」を見つけることができるからです。
けれど、「純粋体験」的に「美術鑑賞」をしたいなら(日本で一番多い美術人口だと思うのですが)、名品展やお寺の秘宝巡りをするのがいいと思います。
単純に美しいものに感動するには、ギャラリーや冒険的な企画展に行くよりも名品展ばかり行く方が「純粋体験的ハズレ」はありません。
(また、美術館鑑賞人口第一位なのに作品を買わない、というトリックはここにあると思います)
そして、ロジカル面にもアートを楽しみたいなら、国内外、現古代を問わず美術館を中心に巡るのが一番いいと思います。
私は最近作品を買いたいと思うようになったのでギャラリー巡りと美術館巡りを美術館巡りに重きを置きながら実践していますが、
「買う楽しみ」と「観る楽しみ」はまた違うなあ、と思う日々です。


さて、今回はこのへんで。
まあまあ納得のいく記事が書けましたので、安心してベルリンに向かえますｗ


それではtschss!(さよならっ!)




文章の無断掲載・転用はお断りしますが、引用や掲載を行いたい場合は、ご連絡下さい。
ご感想もお待ちしております。→(@anna_kaot)

忘却に対する抵抗

わたしは人一倍、記憶について執着心が強いと思います。
以前から「記憶と忘却」についてはたくさん考察してきました。
記憶は時に自分で書き換えてしまうもので、美化したり、卑下したり。
している最中大変だったことも終わってみれば、いい思い出。
これもしんどい→うれしいへの記憶の書き換え。
「memorize」とはとても流動的な行為。
自分自身で書き換えた記憶は何かしらの無意識が働いてそうしたのだろうし
忘れるということ以上に変わってしまった記憶は忘却でもある。
ありのままを完璧に記憶するのは不可能ということ。
誰かを悼む時も、何か心に残るニュースや、嬉しい、悲しいなど激しい感情を覚えたときはいつもそう思います。

でも昨日もつぶやきましたがよく物事を忘れることは
「即ち、過去に共有できていたものが、リアルタイムで共有できなくなるということ」です。
空気とか触覚、嗅覚的なものは特に。
視覚はスクリーンキャプチャのようにメモライズされていくから、残りやすい。
だから逆に視覚以外に訴え続ける記憶というのは、とても強い印象として残りやすい。
「あの音楽を聴いたら○○を思い出す」「このシャンプー匂いは○○を思い出す」はその典型でしょう。

 

今回の展示では作品の周りに鏡を張り巡らせるという演出を行いました。(写真では伝わりにくいですが)

これは、どの位置で作品を見ても、人でなく、自分の気配が感じられるという工夫です。

「気配の記憶」 。そんな空間を使って三次元的に観客に働きかける演出ができるのが、展覧会の醍醐味のような気がします。

タイトルにも書いた「忘却に対する抵抗」 は敬愛するキュレーター、ハンルウルリッヒオブリストの言葉です。

たとえば絵画なら、陶芸なら買うことができる。

買って、持って帰ることができる。そうすることによって永久の記憶が保障される。

でも、展覧会は持って帰ることができない。

これが展覧会が立ち向かうべき一番大きな課題です。

だから、絵画にできないことを展示会では積極的にアプローチしていかなければならない。

単純に「感動、共感」だけではゆるい、ということです。

そう考えれば、美術館のギフトショップでポストカードに群がる人々の無意識に起こる購入理由が少し腑に落ちますね。

昨日も記憶についてツイートした時、アートに携わる方から(@denovejapanさま )

「アーティストの「アーカイブ」創りが一層重要なのだと思いますよ〜。説明責任Accountabilityなんてのもその内の課題でしょうね。アーティストトークもやれば良いという物ではない。」とのご意見を頂き、一層その重要性を再認識しました。

そこで、まず手始めに、自分のustをアーカイブ、資料を添付してみようと思います。

ustアーカイブ 

まず学芸員になるための資格課程などはこちら。

学芸員について：文部科学省 

その中で一番実戦的な授業、博物館実習について

博物館実習について　OKWAVE 

とても参考になった展示会の作り方を実戦的に勉強できる本 美術手帖 2008年 02月号

また、言葉に詰まってしまって言えなかったｵﾌﾞﾘｽﾄの「移動型」展示会のﾀｲﾄﾙは「cities on the move」でした。

また、ｵﾌﾞﾘｽﾄとホウ・ハンルウの対談記事(とても良い)がartitにあるので興味がある方は是非ご覧下さい。

ハンス・ウルリッヒ・オブリスト+侯瀚如（ホウ・ハンルウ）　 往復書簡

また、オブリストのインタビュー集も良書なのですが、

Hans Ulrich Obrist interviews Volume.1  

現在取り扱いがないということ。

しかし、その概要をまとめたサイトがあります(とても良い)

芸術とむきあう方法　その1　ウルリヒ

あとは彼へのインタビューに字幕をつけて下さったものがあります。

芸術係数blog

 

それから、展示会史についてはこの本、 美術手帖 2007年 12月号 一番番ざっくり分かり易く、なおかつキュレーターの仕事についても書いています。追加して、展覧会史となると、やはり一番とっつきやすいのはヴェネチアビエンナーレ、その上日本に特化したものが最近出版されて、展覧会史のイメージがつかむことができるであろう良書が出ています。ヴェネチア・ビエンナーレ―日本参加の40年

個性的なキュレーター、ヤンフートが活躍する美術館

ゲント現代美術館　S.M.A.K.

ヤンフートの具体的な活動については椹木さんがARTitの瀬戸内美術館の批評にて、少し触れておられます。

椹木野衣さん美術と時評11

そしてそこで私が見た展示、XANADU!について

SMAK　XANADU!(英語)

ついでに言うと、私がとっても好きなアートセンター

カムデンアーツセンター(英語)

金沢21世紀美術館、現代美術館の成功例

蓑豊氏の著書

超・美術館革命―金沢21世紀美術館の挑戦

金沢21世紀美術館の具体的な経済効果等

GIRC　地域活性化事例データベース 

関連して、最近は十和田市現代美術館も同じように成功しているようです

青森県十和田市現代美術館

でもやっぱり現代アートの美術館といえばLosのMOCA(The Museum Of Contemporary Art)ですよね。

The Museum Of Contemporary Art 

村上隆さんも展覧会を行っています。

リンクばかりで申し訳ないですが、こんな感じでしょうか。

何かしら、知識の足しになれば幸いです。

これからしばらくはこんな感じでキュレーション展のアーカイブ記事を書きます。

よろしくお願いします

キュレーション展を終えて

お久しぶりです。
ust後、すごいアクセス数が増えて少し戸惑っておりました。
もちろん、アクセス数が増えたことは嬉しいのですが、
基本まとまって文章を書くことは、気が向かないとできません。
よって、とても更新にムラがあります。
ご了承下さい。

まず、今回のキュレーション展のデータを少しまとめました。
今日から少しずつ、これについては書いていこうと思います。
まず、0000さんのHP。
Young Curator Challenge 01 加藤杏奈

まず、キュレーションについての意気込みをtwitterにて呟いたのですが、
それをまとめていただけました。
加藤杏奈さんの初キュレーションに掛ける意気込み

また、イベントの１つとして、2日目にはustをさせていただきました。
ustアーカイブ 

そして、3日目にはイベントとしてディスカッションイベントを行いました。
twitterまとめです。
【Disscussion 01】twitterまとめ 

それからたくさんの方にご感想を書いていただきました。
ブログ形式の方のものを掲載させていただきます。
cocomichi_kyotoさんhttp://bit.ly/fhD628
SKYRYさんhttp://amba.to/i02Gtk

企画展をした3日間は毎日たくさんの方に来ていただき、
キュレーションについての議論がtwitter上で盛り上がり、
まさしく嵐のように過ぎ去る日々でした。

明日から、それぞれ、1日目から3日目まで感じたこと(特にustとイベントについて)を書いていこうと思います。
また不定期になるかもしれませんが、宜しくお願いします。

アートは必要ですか

”いい作品って何ときかれると、強い作品 と答えます。
強い作品って何ってきかれるとほそくてももろくてもちいさくても強靭な存在感のある作品と答えます。
その存在感って何ってきかれると、世界が 「その作品があることを必然として押し出している存在」とこたえます。
じゃその世界ってなにと。”

キュレーターの長谷川さんのツイッターでの発言。


考えさせられますね。
その「世界」って何なんでしょう。
私達が生きる「世界」なのか、アートワールドという意味の「世界」 なのか、それとももっと他の意味の「世界」、もっと包括的な意味での「生」としての「世界」なのか。
どちらにしろ、ここで途切れさせた長谷川さんのこの言葉の意図を考えることもなかなかスリリングで面白いです。
彼女の提示した「世界観」の一欠片を知ること。
また違う地平が広がりそうですね。


「生きてる実感がない。だからアートをする」
と語ったのは村上隆。


写真はお気に入りの写真家、小浪次郎さんの。
生きてるってイメージ、私は勝手にこんな感じです。
強烈な[生]をたまに途上国やスポーツマンに感じますが
普通に生きて、普通に学校行って、普通に生活してたら
恵まれてる日本においてあまり「生きてる」ことを実感することってないです。 
中学生の時とかよく聴いたBUMP OF CHICKENにsupernovaって曲があるのですがその冒頭は
「熱が出たりすると 気付くんだ 僕には体があるって事
鼻が詰まったりすると 解るんだ 今まで呼吸をしていた事」
で始まるんですけど、結局そういうことだなーなんて思ったり。
宗教の影響力が強いところだと「神様(仏様)今日の生、今日の生きれてる一日を有り難う」って感謝する習慣がありますよね。でも、今日宗教の影響がどんどん薄れてきてる。
それにしばらく前に自傷行為とかの社会現象について考えてた時期があったのですが、
自傷行為に走る理由の一つに「血を見ることによって生きてることを実感し、安心する」っていうのがあって。

なんか繋がったなあ、なんて思ったりもしました。


アートはアートのない世界では「なくてもいいもの」だと私は思っています。
でもアダムとイブみたいにそのリンゴ(＝アート)の味を知ってしまったら、もう後戻りはできない。
なぜならそれが生きてることの実感や裏づけにも繋がる。
アートによって自己が更新される。
表現しないと生きていけなくなる。

そういうものなんだと。

これはリアル中学生の時の写真(笑)なのですが、
この時はアートなんか何とも思っていなかった。
でも今と比べてひたすら時間がありました。
時間があって、友達のｹｰﾀｲが羨ましくて
毎日公園で写真撮って、
当時中学が荒れてたこともあったのですが、
毎日怪我したり、走り回ったり、
ガラスを割ってる子とかトイレ壊してる子とかいて
そういう衝撃が毎日あって。
そう、そういう人にはきっとアートはいらないんですよね。
毎日の生活でアートから得る足りないところを補ってるから。
でもアートをこのころ知ってたら、もっと楽しかったかもしれないななんて思います。
発想が豊かになるから。


まあそれはおいといて、今私達がアートを求める理由、
無意識に(名品展とかで作品を拝みに行くのは除く)アート好きがアートを求めるのは
そういう理由なんじゃないかと思います。


心斎橋にコムデギャルソンのアートスペース、SIXがあるのですが、そこの管理人さんとお話しした時、
「同窓会行って、同級生でもアートに関わってる人たちはハツラツとしてた」って仰ってて、
まあそういうことだろうなと。

例えばバナナが好きすぎて30,000 のバナナを盛り上げて展示しちゃったアーティストがいるのですが(写真参考)

元記事 こういうこと考えてて、実行できちゃったらそりゃいつまで経っても若くいられそうですよね。
twitterの村上さん(@takashipom)のツイートも生気みなぎってます。


アートが必要たる理由は、きっと、アートを知ってしまったからです。


そういう結論で今日は終わろうと思います。



そして0000ギャラリーでの企画展は2/4からですｗ

旅をして、何を想うか スリランカ(2)

 旅をすることは昔からあまり好きでないです
小さい頃に少しだけ海外を転々とした経験があって、

その時経験した、感じた刺激のありすぎた出来事一つ一つがトラウマになってたりします。

イギリスでだって、辛いことがたくさんありました。

(写真はイギリスの写真です。今年は3000枚くらい写真撮ったｗｗ)

でもそれなのに何故旅をするのか。

答えは自分の思考を飛躍させる為です。
少しいかがわしい表現ですが、
私はそれに尽きると思ってます

見たことのないものを見ること
感じたことない空気を感じること
それらは全部大きなインスピレーシヨンとなる。

カントが著書、判断力批判の中で
「美と崇高」という概念に触れるのですが、彼の言う「崇高」とは「自己更新」、いわゆる「リアリティーの更新」に不可欠な人間をより高次に高めるショックとして語られます。
また他の崇高について研究した学者たち(バーグなど)もその例として登山などを挙げるのですが、旅から得るインスピレーションはそんな感じです。
恐怖にうち勝つ激しいショックのような類いではなくとも、新しい価値観が生まれたり。
観光とかで色んなものを見るのは楽しいけど、結局その初めてみた「もの」を通して、自分を感化させること。

 

だから言っちゃえば、何を見るかなんか関係ないんですよね。

ただ異国の空気の下で何かを見るということは、そういうショックを起こしやすい。

もっと言えば、アート作品はそういう装置にもなり得る。

身近にあるショックになり得る。

そういう意味でもおおー！ってなるものは大好きです。

この写真、ゾウ、迫り来すぎて怖かったけど、圧倒されて、

とりあえずわけわかんなかったです。

さて、少しスリランカの話に戻すと、スリランカはインド系の黒人が多い地域なのですが、

植民地時代の名残で、プランテーションで儲けた白人たちももちろんいます。

そして、その白人が労働者として連れてきたインド南部の民族、タミール人がそのヒエラルキーの最下部。紅茶摘みは一生、紅茶摘みにしかなれない。

ひどい格差社会なんです。

だから、数年前まで内戦状態であった反政府組織「タミルの虎」は、それに反抗するような形で活動し、テロを起こした。

でも考えてみれば彼らをそんな不幸な境遇に陥れたのは、スリランカ人(シンハラ人)でもなく、またタミール人でもなく、

植民地支配を行ったイギリスなんですよね。

そう考えるといかに植民地支配はその国を潰すかが分かったような気がしました。

2代に渡る植民地支配はやっぱり文化もねじ曲げてしまうから、

「伝統的」なもの、風景を残すことができないんですよね。

だからこそ、たまにすごく気が重くなりました。

タイなんかの方がずっと行くには楽です。

日本は自ら近代化を推し進めて文化破綻して、まあいいことも悪いこともあるけど、

この国は他者の手によって文化破綻「させられた」 のですから。

この子たちが、この国の未来を一から創っていくんだなあ、これから、どうなっていくんだろうなあって思った旅でした。

まだまだ仏教とかこの国の面白いことは沢山あるのだけど、

いつかの折に引用するとして、今回のレポートはここまで。

また気が向いたら書くとします。

おしまい

旅をして、何を想うか。スリランカ(１)

こんばんは。

人をキュレーションしたりする作業ってとっても責任感が必要な作業ですね。

改めて実感する毎日です。

そしてその上、気づいたことなんですけど人って「本当に申し訳ない」って思うとき程、謝りにくかったりする。

平謝りなんて簡単なんです。

それをとても実感しました。

そういえば、休憩がてらにこの冬行ったスリランカのアートレポートをしたいと思います。

発展途上国の文化事情、少し気になっていたので。

いい機会なのでまとめます。

まず、スリランカは仏教国。

8割以上が仏教徒。お坊さんの位はとっても高い。

階級制度の色濃い世界やなあって思ったのが第一印象。

まず簡単におさらいすると、スリランカはイギリスの元植民地。

植民地から解放されてからはインドからやってきたタミール人との内戦が勃発。

数年前まで内戦がありましたが、現大統領が沈静化に成功。

首都はコロンボ。

文化事情は寺院を中心とした文化。

アートはほとんど根付いていない印象。

国立美術館は一つ。

ギャラリーは植民地時代にイギリス人が作ったと思われるものがポツポツと。

けれど、まず最初に驚いたのがこの光景。

美術館の前でアーティストが絵をかけて売っていて、意外と地元住民が見ていったり、買ったりしている。
日本でも路上で絵を売ってる人いるけど、ほとんどポストカードとかでここまでじゃないですよね。
レベルはまあまあで、結構有名作のコピーが多かったんですが、なんというかやる気に圧倒されました。
でもこういう文化があるなら、これからアートは活性化するんじゃないかなあとか思います。
需要があってこそ、ですからね。

次にこれは美術館の光景。
ミレーの「落ち葉拾い」は人気なのか、路上で絵を売ってる中にも、壁に絵を描くときでも、たくさん見かけました。
この「落ち葉拾い」の光景が働く人々にとって共感できるからなのでしょうか。

   

また、全体的な印象としてキュビズム的表現が人気、また多かったです。

キュビズム最盛期に植民地にイギリスから絵画が入ってきたからかなあ、と推測していましたが、寺院に行ってなんとなくその謎が解けたような気がします。

これはいわゆる伝統的なスリランカの絵画なのですが、とっても平面的。
古代エジプトもそうでしたが、絵画はこうやって発展していくのかなあ、と考えたり。
そう思えば平面的なキュビズムっていうのはスリランカの人達にとって馴染みやすいものだったんじゃないか、という最終的な結論にたどり着きました。 

これは小学校の壁画。やっぱりキュビズム。

この祈る人々を見たらピカソの絵のコピーというよりは、仏教的な祈りの風景と内戦の終焉を祈っているのかなとか

色々考えさせられました。

 

これは知り合いのスリランカ人の子供、6歳の男の子が描いた絵です。

面白いですよね。こうやって仏像や僧に囲まれた生活をしていると、子供の描く絵もこうなる。

日本ではやっぱりマンガが人気な分、マンガを描く子供がとても多いように、スリランカではこういう仏教的モチーフを描く子が多いんです。

ちょっとそう考えたらいかに社会が子供の思考に影響を与えるかが分かって、面白かったです。

まだまだ色々書きたいことばでてきたので、明日に続かそうと思います。

なんか面白くない記事ｗごめんなさい。

それでは。

An ounce of action is worth a ton of theory.

An ounce of action is worth a ton of theory.

１オンスの行動は、１トンの理論に値す。

ラルフ・ウォルドー・エマーソン

 お久しぶりです。
0000ギャラリーで2/4から行わせていただくキュレーション展の準備と
1/27から始まるテストの準備で倒れそうですｗ
でも特にキュレーションは絶対に手を抜きたくないので、頑張ってます。
ある理論に行き着いたのですが、人はキャパを越えると精神と身体が乖離するような状態になるのではないか、ということです。
カフカの変身とまでは行かずともきっと極限状態ではそれらはバラバラに自律して動きそうだなあ、と。
けれど正直今はそこまでいきません。
まだ余力があります。
だから、がんばれる。
色々本当にしないといけないこと山積。
頑張ります。

そういえば坂本龍一さんと私が来年から留学する早稲田大学文化構想学部で
佐々木敦さんが教えている「ポピュラー音楽論２」という授業の一環として、
四年生の嘉島唯さんが、坂本龍一さんにTwitter上でインタビューをしていました。
それが、とても面白い。
モノに宿るアウラ、(→アウラとは:原義は「物体から発する微妙な雰囲気」。オーラともとは同じ言葉。あまりいい脚注ではないですが→詳しく)について。
アウラはベンヤミンという哲学者が色々難しいことを述べたり、
それに基づいて現代において印刷物には、USTやﾆｺﾆｺ動画で流れる音楽では、はたまたCDでは、彫刻のレプリカでは、
アウラはどうなったのか？
という議論が多々起こります。

まあそれは時間がないから割愛するとして、

でも単純に、でも結構誰でも直面する難しい問題だと思ってます。


特にこれは小学生とかを例にするとわかりやすいんですが、
工作で作った作品は何を作っても世界で一つのものを作った！と思うんです。
でも見る人によってはまだまだその作品は力がないなあー、とか
どっかで見たことあるなあ、とか思って作り手ほどの力や満足感がそのまま伝わる訳ではない。
例えばヤクルトの容器を使っていて、どんだけ素晴らしい彫刻になっても、
「ヤクルト」って文字が見えたら興ざめしてしまう。
そんな事態も容易に考えられます。
「アウラ」 の宿り方は見る人によって、全然違ってくる。
これは何かを作って、作り手が自己満足で終わって、周りはそのテンションについていけない
っていう文化祭とかでよく起こる現象でもありますよね。(…苦い思い出ｗ)


昔は職人が丹誠込めて作る、圧倒的な技術でアウラが宿ることができた。
でも今、誰でも発信できる時代で、特に音楽なんかはyoutubeとかで聞けて、
そんなにウワー！ってなるのはライブとかに行かない限り感じるのは難しいですよね。
それに、昔はアウラが宿りまくっていた彫刻をインターネットで画像で見るのはまた違う。
これについても、坂本龍一はとても面白いことを言っていて、
「ほとんどの絵画の場合、オリジナルと複製は明白ですよね。現代の音楽の場合、事情はもっと複雑。ほとんどぼくたちが受け取る音楽は複製だものね。それでもある「ライブ信仰」。」
うーん、考えさせられます。


結局は「信仰」っていう意味で鑑賞者と作家が繋がってた頃はよかったけど、
今はそれもない(→よく言われる議論)
そこで、「共感」で繋がろうとしたら、「共感」を越えられない(→よく最近の若者は…って議論で出ますよね　でもこれって日本だけのことかもしれないとは思うんですが)
ある意味、そうして社会を反映するような局面に芸術は立たされている。


そんなこんなを思った議論でした。
ハッシュタグ#popuonで見ることができます。

最後に好評だったので、トマの抽象画をまた貼っておきます^^

取り急ぎ更新でしたｗ
おやすみなさい。

いいものについてのこうさつ

文字ばっかりが味気ないから写真を載せようと思うのですが、なかなかいいのがないです
だから楽しそうな写真をとりあえず、貼りますｗ
2009年イギリス。一昨年の写真。語学学校卒業式。

 

ﾄﾞｲﾂ人・ﾌﾗﾝｽ人・日本人。

違う文化を持った人達と話すとインスピレーションがどんどん湧いてくる。
素敵。


今日はいいものについての考察。
この前ﾂｲｯﾀｰでいわゆる「いいもの」っていうのが理解できないと言われ、ハッとしました。
たしかに私もｱｰﾄを勉強し始めた時は何故それがいいのか全く理解できなかった。
好きな絵は唯一、ムンクの「夏の夜/声」だけでした。

この作品にはグッと引き込まれるものがあって、ムンク展で初めてみたときはしばらくそこから離れられなかったものです。
そういった実際の体験があればこれがいい！と言いやすいのですが、星の数ほどある作品から選別された美術館で展示されている作品を見ても全く惹き付けられるものがなく、何がよくてこれを選ぶのだろうと思うことは多々。
しかし、美術の歴史やアートの理論を学び、実際に意識してアートを見ていくことで、ピンとくるものはどんどん増えてきました。
例えば最近のものでは最近ターナー賞を受賞したトマ・アブツの抽象画。

正直この画像を見たときはかなり興奮しました。
今までこんなに表現の根源に迫った抽象画はあったでしょうか。
凝視すればする程、味のある作品で、また抽象画は大きいものが主流ですが、彼女の作品はこぢんまりしている。
小さいながらも生命を凝縮したような表現。

とか言っても、アートに興味のない人からすれば全く説得力がないんですよね。
そのものがいいか悪いかは正直、「数を見れば」分かるようになると思っています。
0000の谷口さんに「見る目をつけたい」と相談したところ、
「何か作品を買って、毎日意識しないでもいいから見ることが大切」とのアドバイスをいただきました。
そうすることによっていらない表現とかも見えてくると。
そこで家にあった絵画を見える位置に飾り、実践してみたのですが、たしかに効果はあったような気がします。
同時並行して勉強や美術館巡りも多くしたので、どれが一番効果があった、とは言い難いのですが、
ある日突然自分の「見る目」ができました。

こうしてアート界隈の人は自分なりの規準を作っていくのだと思います。
ただ、「見てれば分かるようになるよー」って言うのはあまりにも無責任ですよね。
そこで、前ふりは長すぎましたが、少しでも参考になるようにいくつかの例を挙げてみたいと思います。

まず、私が考えるいいものの条件は(何度も言いますが一概には言えません。色んな形態・主張のｱｰﾄがあるので。)
「美術史的更新」「優れた技術」「他人とは決定的に違う世界観」「そのもの自身の存在感」
があるような気がします。
美術史的更新はいわゆるピカソのキュビズムやデュシャンの泉など。
一見すると美術からかけ離れているかのように見える、あまり美しさを感じられないもの。
コンセプトで勝負をかけてくるようなものです。

優れた技術はダヴィンチのモナ・リザやベルニーニのまるで人体かと思うような彫刻技術など。

他人とは決定的に違う世界観は上に上げたトマアブツや村上隆などを挙げられます。

最後にそのもの自体の存在感は大きければ大きいほどインパクトはあるという傾向(バーネットニューマンの抽象画など)はありますが、圧倒されるようなもの。
おおよそこんな感じでしょうか。


それでもピンとこない方はきっといらっしゃると思うので、著名な方々がおっしゃっていたコメントの抜粋をしたいと思います。
「現代アートの舞台裏」という本からの抜粋です。

Q)傑作の条件とは？
「本質的にその作品に注意を払う人々に対して、尽きることのない価値を与えることが証明されたもの。
『おれたちは5年前、あるいは50年前に作られたものだが、そんなこととは関係なく、現在形のままだ』と。」
byロバート・ストー　2009ｳﾞｪﾈﾁｱﾋﾞｴﾝﾅｰﾚﾃﾞｨﾚｸﾀｰ


「作品が見る者にあれこれ語りかけるのではなく、鑑賞者が作品を見ることができること。
あらゆる解釈可能という訳ではなく、固定的な意味に限定されないという意味で。」
レベッカウォレン　ｱｰﾃｨｽﾄ


「アートはどれも時間との新たな関係を味わわせてくれるもの」
マーゴット・ヘラー　ｻｳｽﾛﾝﾄﾞﾝｷﾞｬﾗﾘｰ　ﾃﾞｨﾚｸﾀｰ


そんな感じで、今日は終わります。
何かスッキリしていただけたら幸いです。

キュレーターってなんなんだろう

I never think of the future. It comes soon enough.
私は将来のことは考えない。それはすぐやって来るから/ｱｲﾝｼｭﾀｲﾝ

英語、勉強しないとなあー。
語学留学行った時の写真。友達を女装させてショーに出させましたｗ

ところで！関西美大フリーペーパー、SHAKE ARTの代表さんのﾂｲｯﾀｰでこのﾌﾞﾛｸﾞを紹介していただき、一気に観覧者数が増えました。
皆さんありがとうございます。
でも同時にとってもプレッシャーですｗ
頑張ります。

昔は新聞記者とか物を書く仕事に憧れていました。
アートのおもしろさを知ってからはアートに関わりたいということでキュレーターを目指しはじめましたが、
今でも「何かを書く」という行為はとても好きです。


せっかく大勢の方に見ていただいているので、今回はよく聞かれる「キュレーター」の話をしたいと思います。
そもそもキュレーターとは、わかりやすく言うと学芸員さんのことです。
日本では学芸員をキュレーターと呼ぶことも多々あります。
しかし、学芸員は作品の保存・修復・研究・展示の設営・教育活動を行うのに対し、
キュレーターは主に展示会を中心に活動します。

少し話しはズレますが、キュレーターって調べたらこんな記事によく出くわしませんか？
あなたが情報のキュレーターにならなくてはいけない理由 
しばらく前までは「キュレーター」と検索すると、この記事が一番最初に出てきたのです。
ざっくり要約すると、「情報の溢れた社会で自分にとって有益な情報を取捨選択する必要性」について、
またそうすることによって「自分だけの価値を見いだすことができる」 という記事です。

アートのキュレーターもそれと似ていると思います。
キュレーターが作品を「キュレーション」というテーマや伝えたいことに沿った「フィルターを通す」活動によって作品を取捨選択、一つにまとめあげる。
これが根本的な役割です。
一人より三人、力を合わす方がより大きな力が出るのと同じように作品も１つより３つの方がよりパワーを発揮する。
しかし、主張が強すぎる作品ばかりを集めたら、互いにその作品たちは力をうち消し合ったりするかもしれない。
だからキュレーターが「展覧会のルール」を作り上手くそこを調節する。
そんな感じです。


ただ、展示会によってはアートシーンに多大なる影響を及ぼしたり、「取捨選択」という行為により時にとても力のある存在になったり、美術的価値観を更新するような展示会を催したり、アートに定義できない価値があるように、それをまとめる展示会も色々な価値・意味合いが発生してくる。その為キュレーターたちの活動や影響は様々です。

有名な展覧会というと1969年ハラルドゼーマンの「態度が形になるとき」。
伝説の展示会です。
展示会自体を作品化した第一人者と言われています。
彼の仕事によってキュレーターが注目されるようになった、と言っても過言ではありません。

また最近の試みとしては、アーティストの魚住剛さんがキュレーター四方幸子さんと共に展示会を作り上げています。
魚住　剛さんHP 
ｱｰﾃｨｽﾄが作品を作り作品の説明をし、キュレーターが言説をつける。
お互いに強みを生かし合い、世界に通用する戦略を考え、新しい価値観を創造する。
勿論ｱｰﾃｨｽﾄ自身が自己ｷｭﾚｰｼｮﾝを行うことは一般的ですが、違う立場の人達が多面的にその展示会に関わることで、
より言説の重層性、また作品の理論的強化を図ることができる。


これからはこうやってアーティストとキュレーターが二人三脚していく時代なのではないか、とも思います。

しかし、ｱｰﾃｨｽﾄｷｭﾚｰﾀｰというものが存在する、またｷｭﾚｰｼｮﾝを始めると誰でもｷｭﾚｰﾀｰになれる。
じゃあ、ﾌﾟﾛのｷｭﾚｰﾀｰってなんなんだろう？
という疑問は実際私も拭いきれません。
誰でもできないことをする、そう言ってしまえば簡単なのですが、
日々美術史が更新されていく、作品には色々な見方があるように
キュレーターもどんどんその立場や役割を変えていかないといけない。
各キュレーターにはキュレーター的スタンスが求められています。

だから、一概にキュレーターとはこれだ！とは人くくりにしにくいのです。

しかし、とりあえず現状はこんな感じです。
少しでもキュレーターという仕事が広まってくれれば幸いです。

それではこのへんで。


PS 私事ですが、2月に0000ギャラリーさんでキュレーション展第一回を行わせていただきます。
 おたのしみに！(´ω｀)

All our dreams can come true - if we have the courage to pursue them.

All our dreams can come true - if we have the courage to pursue them.

追い続ける勇気があるなら、すべての夢は必ず実現できる。

/Walt Disney

いつも真面目なことばかり書いているので、今日は少し息抜き。

2010年夏、イギリスへ語学留学に行きました。

イギリスに行くついでにベルギー、フランスに行ったのでその時の写真を少しup。

その名も「新・美術館の楽しみ方」ｗｗ

今「作品の鑑賞の方法」を美学的に研究する授業を取っているのですが、ひたすら難しい。

カントの美と崇高やアドルノの音楽の現代性…

アーティストにとってその絵をどう鑑賞されたいかってすごい難しい問題ですよね。

コンセプトがしっかりしてても、息苦しいものなら、「こんな風に見えない」なんて思われてしまうかもしれない。

分からない人には分からなくていい。

自己満足でやってるから人の共感はいらない…

色々スタンスはあると思いますが、鑑賞者の視点から「芸術がどう見られてきたか」を研究するのは興味深いです。

もちろん、こんな深く考えなくてもいいんじゃないのって思うことは多々ありましたが(あまりに難しすぎるが故)

アーティストの作品を見るのは何百人もの鑑賞者。

最近は鑑賞者が介入していけるような作品も増えたし、鑑賞者が自立的に動いていくことによって

新しいアートができるかもしれない。

私自身、キュレーターを目指していますが、キュレーターはアーティストに最も近いあえて命名するなら「第一鑑賞者」的な側面はあるかな、と思っています。

いつの間にか真面目な話になってましたが笑

コンセプトがしっかりある現代のアートに比べ、中世のアートは鑑賞が難しい。

コンセプトを知るわけでもなく、作家の心意気を感じるでもなく。

もちろんそういうことが重視されてない時代だったから当たり前なのですが。

美を授かろうと思いつつも図解学的に見て…とか思ってたら見てて見疲れる。

ベルギー王立博物館は見応えのある中世美術が多くて、途中で疲れてしまいました。

(美術館自体はとてもきれいで、展示に工夫がされていてとても素敵(写真参考)でした。)

そこで、「新・美術館の楽しみ方」！ｗ

まずは写真をご覧下さい。

 ある意味これはアプロプリエイシ(イメージの流用芸術)かもしれませんが、

これをしている間どんだけ面白かったか！ｗ

普通に見てるだけだったら自分→作品の構図ができてしまって、ただ、静かに見るだけ。

これでは疲れてしまってしょうがないと思います。

ただ、こうすることによって、作品→自分への流れも同時にできる。

ある意味体感芸術ですｗ

私たちは18歳ですが、子供たちにこういうことをさせたら面白いんじゃないかなあ、とかも思いました。

アートを身近にって何か新しいものを作らなくてもこうやってできるんだとかも思った次第です。

でも普通に見て、真っ白の作品だけを写真で撮るよりこうやって

 

 鑑賞者がいる方が興味をそそられるような気がします。

いったいこの人はこの真っ白な画面から何を感じるのだろうとか思ってみたり。

そう思うと、やはりたくさんの人に見られる作品は幸せかもしれませんね。

真面目なこと書かないつもりやったのに、いつのまにかこうなってしまいました…。

今日はこれでおしまい。